Le langage Orlinski au service des pièces emblématiques

Richard Orlinski s’est imposé en quelques années comme l’un des artistes français les plus collectionnés à l’international. Ses sculptures anguleuses, ses animaux totems et son esthétique pop façonnent un univers vibrant qui trouve ici un écho naturel avec la signature S.T. Dupont. La Maison, qui cultive son savoir-faire depuis 1872, confie au sculpteur l’un de ses héritages les plus précieux : le briquet Ligne 2 et l’instrument d’écriture Line D Eternity.

L’artiste en propose une relecture immédiate. Le célèbre « Kong » devient motif, énergie, vibration. Le métal se fait matière vivante, travaillé en guilloché, en textures brossées ou sablées. Les finitions alternent entre éclats métalliques et laques lumineuses, créant un jeu d’ombres et de lumière qui évoque les facettes de ses sculptures.

La ligne « Red » rend hommage à sa couleur signature. Pour la première fois, S.T. Dupont présente une finition or brossé sur un motif Kong en filets de métal. Les stylos et briquets y gagnent une présence forte, presque animale, où le rouge s’impose comme fil conducteur d’une intensité assumée.

Le savoir-faire S.T. Dupont sublimé par une approche artistique

L’esthétique Orlinski ne se contente pas de signer les pièces : elle les transforme en objets d’art. Les modèles Biggy, Slimmy et Initial s’habillent de laques orange ou bleue, apportant une dimension pop et contemporaine. L’effet visuel est maîtrisé, énergique, sans jamais renoncer à l’élégance propre à la Maison.

Cette collaboration démontre la capacité de S.T. Dupont à faire dialoguer tradition et modernité. Les artisans y expriment leur expertise à travers des décors complexes, des techniques d’orfèvrerie et un travail du métal d’une grande précision. Les contrastes de matières deviennent un langage, les surfaces se répondent, les volumes se sculptent.

Une Haute Création qui célèbre un luxe vivant

Le projet prend une dimension supérieure avec la ligne Haute Création. S.T. Dupont propose une interprétation rare du Kong, conçu en bronze patiné ou en bronze or jaune. Ces sculptures accueillent briquet ou instrument d’écriture, transformant les objets en véritables pièces de collection.

Le Collector Set en est l’apogée : un Kong de 60 cm qui semble veiller sur les créations qu’il abrite. Deux autres versions, Lighter Sculpture et Writing Sculpture, prolongent cette fusion entre art et objet du quotidien. Les facettes emblématiques de l’artiste deviennent architecture, structure et présence.

Une vision commune du luxe contemporain

À travers cette collaboration, S.T. Dupont revendique un luxe qui vit, se partage et s’expose. Richard Orlinski, de son côté, poursuit sa volonté de démocratiser l’art en le rendant accessible au plus grand nombre. Le résultat donne naissance à une collection audacieuse, colorée et sculpturale, conçue pour perdurer.

Une édition qui s’inscrit déjà comme l’un des projets les plus forts de la Maison, et qui ouvre un nouveau chapitre dans l’histoire du design de luxe contemporain.

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Une vision façonnée par le voyage

Céline grandit entre les terres de ses grands-parents et les hôtels où son père déploie son savoir-faire en tant que membre de l’équipe fondatrice d’Accor. “Sans le savoir, il m’a offert ce que j’appelle aujourd’hui de véritables “parenthèses enchantées” . J’ai grandi en voyageant, en découvrant des lieux multiples : insolites, secrets, authentiques, parfois en construction, souvent spectaculaires, toujours imprégnés d’histoire…” déclare Céline. 

Son immersion précoce dans cet univers à façonné son approche. Chaque endroit signé MOHA raconte une histoire mêlant l’âme d’un lieu et l’émotion du voyage.

C’est l’âge d’or du design des années 50 et 70 et les paysages du sud qui inspirent Céline. Elle crée des ambiances chaleureuses, où la lumière met en valeur des matériaux nobles. Bois patiné, céramiques artisanales et pierres italiennes se mêlent harmonieusement. Le tout sublimés par une palette de couleurs inspirée des nuances naturelles de la terre. “C’est une période à la fois libre et élégante, portée par l’énergie de l’après-guerre, cet élan vers un monde plus ouvert et plus lumineux. On osait ! La mode, si chic dans les années 50 et si audacieuse dans les années 70. Avec des formes organiques, des couleurs franches !” nous confesse Céline.

Quelques réalisations d’intérieur par MOHA en France :

LA RÉSIDENCE THALAZUR ARCACHON

À deux pas de la plage Pereire, la résidence s’intègre à la pinède avec ses façades claires et ses boiseries. L’agence MOHA a conçu une architecture d’intérieur élégante et chaleureuse, inspirée de l’histoire balnéaire. Du bois, du chaux, de la terre cuite, une palette sable et de l’ocre relevée de turquoise. Espaces communs lumineux, piscine d’eau de mer chauffée, 90 appartements du studio à la suite familiale avec loggia ou terrasse. Tout est pensé pour conjuguer confort, nature et élégance.

MGALLERY GRAND HÔTEL BEAUVAU MARSEILLE

Depuis 1816, cet hôtel iconique du Vieux-Port accueille voyageurs et artistes. Pour repenser ses espaces, l’agence MOHA a choisi d’allier patrimoine et modernité : parquets anciens, moulures et cheminées dialoguent avec des matières chaleureuses et des tonalités méditerranéennes. Salons et bar baignés de lumière, mobilier élégant, touches vintage et œuvres locales composent une atmosphère feutrée et vivante, fidèle à l’esprit de la Méditerranée. Cet hôtel est une escale inspirée de la belle époque.

LE SAINT-GERVAIS HOTEL & SPA HANDWRITTEN COLLECTION

Dans une bâtisse Belle Époque face au Mont-Blanc, l’agence MOHA signe un intérieur contemporain qui marie élégance alpine et chaleur méditerranéenne. Bois, pierre, cuirs et textiles épais s’accordent à une palette inspirée du paysage, du brun des chalets au bleu des glaciers.
Lobby avec cheminée, bar convivial, spa minéral et chambres baignées de lumière composent un hôtel de montagne raffiné.

Adresse : AGENCE MOHA 104 rue de Longchamp
75116 Paris
Tel : +33 (0)1 45 05 12 36
Courriel : moha@agencemoha.com
Site : moha-architecture.com/projets

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Rédaction par Louane Boulain

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Aux origines, la famille Meyer : l’âme du cabaret français

Tout commence en 2003, dans les plaines du Gâtinais. Danièle et Monique Meyer, guidées par leur amour du transformisme et du spectacle vivant, fondent Le Diamant Bleu après des années sur les routes de France avec leur revue itinérante, Le Bégonia Show.
De cette aventure naît une légende familiale, portée par leur fils, Patrick Meyer, alias Bégonia — personnage lumineux, figure tutélaire du lieu, artiste complet et meneuse de revue d’un autre temps.
Burlesque, sincère, tendre, il incarne à lui seul la grâce du cabaret français : ce mélange d’humour et de pudeur, d’excès et de vérité.

Dans l’ombre et la lumière : une famille en scène

Autour de lui, un clan veille, fidèle. Isabelle, sa sœur, première rencontre du public, est la mémoire douce du Diamant Bleu — habilleuse devenue gardienne de l’écrin.
Franck, le beau-frère, amuseur et bâtisseur, prête sa présence à la scène comme aux coulisses. Ici, chaque membre de la famille contribue à faire vibrer la salle, du sol jusqu’aux étoiles.

Amanda et Adrien Blue : la relève flamboyante

La troisième génération n’a pas attendu son heure, elle l’a inventée.
Amanda, divinité moderne, insuffle un souffle neuf avec ses quick-changes spectaculaires — des métamorphoses si rapides qu’elles défient la raison. Elle danse, joue, respire la scène comme un parfum rare.
À ses côtés, Adrien Blue, auteur, metteur en scène et musicien, prolonge la magie. Dandy sensible, enfant du cirque et du cabaret, il compose et écrit pour que chaque spectacle du Diamant Bleu soit une renaissance. « Je suis né dans les plumes et la musique, » dit-il avec un sourire, « ici, la scène est mon souffle. »

« Le Diamant Bleu n’est pas un cabaret : c’est une lignée d’artistes qui font du rêve une vocation et de la scène, un héritage. »

Un joyau qui scintille encore

Plus qu’un lieu de spectacle, Le Diamant Bleu est une histoire d’amour : celle d’une famille unie par la passion, façonnée par la lumière.
Des artistes mythiques — Annie Cordy, Chantal Goya, Vincent Mc Doom, Hortensia — y ont laissé leur empreinte. Aujourd’hui encore, chaque rideau levé est un hommage à cette mémoire du music-hall français.

Sous la direction artistique d’Adrien Germain et Patrick Meyer, la maison prépare déjà sa prochaine création, prévue pour septembre 2026 : une revue poétique, entre magie, chant et comédie, qui promet d’éblouir.

L’art du spectacle comme art de vivre

Au Diamant Bleu, rien n’est artificiel. Chaque geste est sincère, chaque sourire a le poids d’une histoire.
Ici, on ne joue pas la vie — on la célèbre.
Et quand le rideau s’ouvre, que les lumières s’allument et que la musique s’élève, le public comprend : le luxe n’est pas dans l’apparat, il est dans l’émotion partagée.
Le Diamant Bleu, c’est la preuve que la France du cabaret n’a rien perdu de son éclat — elle a simplement trouvé sa plus belle forme.

Informations Pratiques :

📍 Le Diamant Bleu
Route de Montargis, 45300 Pithiviers-le-Vieil — Loiret
✨ Un écrin d’émotions au cœur du Gâtinais, à moins d’1h30 de Paris.
🌐 Site officiel : www.le-diamant-bleu.com
📩 Contact : info@le-diamant-bleu.com
RÉSEAUX SOCIAUX
📘 Facebook : Cabaret Music-Hall Le Diamant Bleu
📸 Instagram : @lediamantbleuofficiel
🎥 YouTube : Cabaret Le Diamant Bleu – “B’go Cabaret”

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L’artiste, connu pour parsemer Paris (et bien plus loin) de ses gemmes miroitantes, a installé un joyau kaléidoscopique de trois mètres sur un mètre trente en plein cœur de la mythique Salle des Colonnes. Une œuvre qui capte la lumière, mais surtout les regards : car ici, les spectateurs deviennent eux-mêmes l’œuvre. Le reflet démultiplié les propulse au rang de vedettes d’un instant, le temps d’un selfie.

Une apparition loin d’être anecdotique. Pour la première fois de son histoire, Grévin accueille une pièce contemporaine dans ses collections. Le temple des stars figées s’ouvre ainsi aux créateurs d’aujourd’hui. Patricia Girbeau, directrice artistique, a repéré Le Diamantaire sur Instagram : coup de foudre pour son geste minimal et brillant, transformer du miroir récupéré en surface éclatante. Au musée de l’illusion, le diamant-miroir ne pouvait trouver meilleur écrin.

Et si Andy Warhol avait raison en prophétisant notre quart d’heure de célébrité mondiale ? Le Diamantaire pousse l’idée plus loin : ici, pas besoin d’être Madonna ou Zidane pour rayonner sous les projecteurs. Le visiteur devient icône, l’image se multiplie à l’infini, prête à se répandre sur les réseaux. La célébrité est désormais instantanée, éphémère, mais lumineuse.

Un écrin d’ors et de miroirs

Le contraste est savoureux : le diamant-miroir, pur, minimal, presque brut dans sa matière récupérée, s’installe dans un décor saturé de dorures, de colonnes et de stucs baroques. Comme un éclat futuriste dans un théâtre du passé. Le visiteur, pris entre deux temporalités, oscille entre illusion d’antan et narcissisme d’aujourd’hui. On sourit à l’idée que dans ce palais des doubles, chacun puisse enfin être sa propre célébrité.

Quand l’art urbain entre au musée

Le Diamantaire dit Alexis, formé à la ferronnerie d’art, a toujours aimé détourner l’ordinaire. Ses diamants collés sur les murs de la ville sont comme des clins d’œil lumineux, des bijoux clandestins pour passants distraits. Ici, le geste prend une dimension monumentale. On n’est plus dans la surprise de la rue, mais dans la fascination orchestrée. Un passage du bitume au marbre, de l’urbain au patrimonial – sans perdre une once d’impertinence.

“Ce qui m’a inspiré, c’est la phrase à l’entrée : “La star du Musée c’est vous !, j’ai aussi voulu incorporer le visiteur dans une oeuvre et dans un ensemble et avoir une deuxième lecture d’un lieu.” nous confie Alexis, dit Le Diamantaire.

Instagram, miroir contemporain

Difficile de ne pas voir dans ce diamant un dispositif pensé pour notre époque. Il piège la lumière comme il piège les regards, pour les redistribuer en images instantanées. Chaque visiteur, en quête de la photo parfaite, se trouve reflété, démultiplié, magnifié. Le cliché devient performance, le post Instagram une trace d’éternité éphémère. Grévin, né en 1882 (5 juin, pour être précis) comme une “fabrique d’images”, prolonge aujourd’hui son projet initial : offrir au public un lieu où réel et fiction se brouillent, où l’image devient reine.

Un diamant comme promesse

Le geste est simple, presque enfantin : un miroir brisé, recomposé en facettes scintillantes. Et pourtant, dans cette simplicité, tout un monde se reflète. La fragilité du matériau, la puissance de l’éclat, la vanité d’un reflet qui ne dure qu’un instant – mais qui reste gravé dans la mémoire, et dans le feed.

Dans cet écrin doré, le diamant du Diamantaire scintille comme une promesse : au musée Grévin, chacun a désormais droit à son éclat. Pas de cire, pas de légende figée – juste le reflet fugace, fragmenté, mais éblouissant, de soi.

Infos pratiques :

Vidéo du Musée Grévin sur l'oeuvre : Une nouvelle œuvre, signée le Diamantaire, s’invite à Grévin ! 

Le site du Diamantaire : www.lediamantaire-paris.com  @lediamantaire_artist

Le site du Grévin :www.grevin-paris.com @grevin_paris

Reel Instagram soirée Diamantaire x Musée Grévin : @christajamespro

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Wm. Michael Reid, l’architecte du spectacle

Maître d’œuvre et directeur artistique de renom, Wm. Michael Reid orchestre depuis des années des événements qui transcendent la simple présentation de collections. À la croisée de New York, Miami, Atlanta et Paris, il fédère talents émergents et maisons établies pour composer des spectacles où chaque silhouette devient une déclaration. Sa signature : un sens infaillible de la mise en scène, une esthétique raffinée et une ambition internationale.

Un temple du style américain signé Michael Reid

Situé au 50 West 17th Street, le Flatiron Studio se prépare à accueillir un public sélect dans une atmosphère résolument chic. Entre luxe discret et énergie urbaine, l’espace promet de sublimer les collections printanières et estivales présentées par une sélection pointue de créateurs internationaux.

Programme d’exception

La soirée propose une programmation pensée pour célébrer la mode sous toutes ses facettes :

• Fashion Designer Showcase : des collections qui redéfinissent les codes du prêt‑à‑porter et du luxe.
• Showroom & Pop‑Up Shop avec mannequins vivants : commerce et spectacle se rencontrent pour une expérience immersive.
• Interviews tapis rouge avec la presse nationale et internationale : moments d’échange et visibilité médiatique.
• Welcome Reception et After Party exclusive : networking haut de gamme dans une ambiance raffinée.
• Présence de célébrités, invités VIP et acheteurs influents.
• Distribution des traditionnels “Swag Bags” : une sélection d’objets et d’échantillons choisis avec soin.

Une plateforme stratégique pour les créateurs

Plus qu’un défilé, “NYC Live! @ Fashion Week” constitue une véritable vitrine internationale. Les designers présents bénéficient d’un accès privilégié aux acheteurs, distributeurs et professionnels du secteur, dans un cadre pensé pour maximiser l’impact commercial et éditorial. Avec Luxury Place Agency assurant la communication officielle, l’événement promet une couverture médiatique accrue et une résonance internationale.

L’esprit Fashion Week entre les USA et Paris 

Tapis rouge, invités de marque, surprises et after party : la soirée incarne l’effervescence de la Fashion Week new‑yorkaise. Les spectateurs découvriront les grandes tendances printemps/été 2026 tout en vivant l’intensité et le panache propres aux grands rendez‑vous de la mode.

Infos pratiques

• Lieu : Flatiron Studio, 50 West 17th Street, 2ᵉ étage, New York, NY 10011
• Date : Mardi 16 septembre 2025
• Horaire : 18h00 — 20h00
• Billetterie : Réservations via Eventbrite
• Site officiel : www.nycliveatfashionweek.com
• Réseaux sociaux : Instagram officiel — Facebook Community
• Contact : Wm. Michael Reid — 646‑260‑9686 — wmmichaelreid@yahoo.com

En réunissant créateurs, célébrités, acheteurs et médias, “NYC Live! @ Fashion Week” Spring/Summer 2026 confirme son statut d’événement phare de la scène mode new‑yorkaise. Un rendez‑vous où le style rencontre le business, où la créativité se conjugue au luxe — et où se dessinent déjà les contours de la saison à venir.

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Yanis Bargoin : Votre parcours est fascinant. Comment tout a commencé pour vous ?

Anastasia Gai : Je suis née dans une famille d’artistes : mon grand-père était un grand acteur, et mon arrière-grand-père a participé à la fondation du Théâtre Académique avec Stanislavski. J’ai grandi dans les coulisses, entourée de personnalités du monde du spectacle. À six ans déjà, j’organisais mon premier spectacle… pour mon anniversaire ! Avec mes amies, nous avions monté une « troupe », récolté de quoi financer nos costumes et joué devant un vrai public. Je crois que c’était déjà les prémices de ma vocation : créer, organiser, transmettre de l’émotion.

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Y.B. : Vous avez ensuite choisi un autre chemin avant de revenir vers la scène ?

A.G. : Oui, même si mon rêve d’enfant était d’être actrice, mon grand-père m’a déconseillée de suivre cette voie : trop de difficultés, trop de désillusions. J’ai donc étudié le journalisme international et les relations publiques, puis travaillé dans la communication événementielle. Mais très vite, j’ai rejoint une agence de production de spectacles. À 20 ans, j’organisais déjà mon premier grand gala à l’UNESCO avec des étoiles du ballet et des créateurs de mode. Ce fut une révélation : ma place était là, dans l’organisation d’événements culturels et artistiques d’envergure.

Y.B. : Aujourd’hui, vous portez plusieurs projets à la fois. Pouvez-vous nous en dire plus ?

A.G. : Tout est lié par un fil conducteur : mettre en lumière les artistes et offrir au public des expériences uniques.

• Avec Révélation des Étoiles, nous accompagnons les talents grâce à des formations et du coaching, pour les préparer aux exigences de la scène internationale.
• Avec IFCARTS, nous avons créé un forum innovant qui réunit artistes, professionnels et créateurs du monde entier autour du spectacle vivant, de la mode et des arts.
• Et avec le Bal de l’Infini, nous donnons vie à des événements prestigieux où culture et féérie se rencontrent.

Mon objectif est toujours le même : créer des passerelles entre l’art, le prestige et les opportunités.

Y.B. : Vous êtes souvent décrite comme une “créatrice de bonheur”. Que signifie ce surnom pour vous ?

A.G. : Je crois que c’est vrai (sourire). Quand j’organise un événement, je veux que tout le monde reparte transformé : les artistes, parce qu’ils trouvent une visibilité et une reconnaissance ; et le public, parce qu’il a vécu un moment hors du temps. Mon rôle, c’est de mélanger les talents, les disciplines et les univers pour offrir une parenthèse magique, presque comme un conte de fées.

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Y.B. : Quels sont vos prochains grands rendez-vous ?

A.G. : L’année est riche !

• Fin septembre : lancement du bootcamp IFCARTS Fashion Week pour accompagner les mannequins vers des carrières internationales.
• Le 3 octobre : le Gala des Étoiles à l’Hôtel Marwa à Paris, en partenariat avec Paris Fashion Hair.
• En avril 2025 : un nouveau Forum international et le Gala des Étoiles durant Cannes Séries.
• Nous relançons aussi le Club Infini des Visionnaires, un cercle prestigieux pour réunir artistes, créateurs et personnalités inspirantes, ainsi qu’un Club d’artistes pour favoriser les rencontres professionnelles et offrir des scènes d’expression régulières.

Mon ambition est de faire de chacun de ces projets un lieu de rencontres, de rayonnement et d’épanouissement artistique.

Informations pratiques

🔹 IFCARTS : www.ifcarts.com
🔹 Révélation des Étoiles : www.revelationdesetoiles.com
🔹 Bal de l’Infini : www.galadesetoiles.fr

📅 Événements à venir :

• Bootcamp IFCARTS Fashion Week : septembre 2025
• Gala des Étoiles (Paris) : 3 octobre 2025
• Forum international & Gala (Cannes) : avril 2025 durant Cannes Séries

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Une carrière musicale jalonnée de succès

Révélé en 2014 avec l’album Idées Blanches, certifié double disque de platine, Vianney s’impose rapidement comme une voix incontournable de la chanson française. Son deuxième album, sorti en 2016 et certifié disque de diamant, confirme son talent. Cette même année, il est récompensé aux Victoires de la musique en tant qu’artiste interprète de l’année. Il enchaîne ensuite les collaborations avec des artistes majeurs tels que Gims, Bigflo et Oli, Patrick Bruel ou encore Ed Sheeran. Depuis 2021, il participe à l’émission The Voice en tant que membre du jury, où il séduit le public par son authenticité et sa bienveillance. En novembre 2023, il dévoile À 2 à 3, un album constitué uniquement de duos et trios, avec notamment Zazie, Mika ou Kendji Girac.

Une reproduction en cire bluffante de réalisme

Afin de représenter le chanteur avec un réalisme saisissant, les ateliers du musée Grévin ont fait appel à leurs meilleurs artisans. Pendant six mois, les artisans du musée Grévin ont minutieusement reproduit chaque détail grâce à un travail de précision. Ils ont réalisé les moulages, pris les mesures en trois dimensions, étudié les nuances de peau et élaboré une coiffure personnalisée. Le sculpteur Laurent Mallamaci a supervisé l’ensemble du processus et, grâce à son expertise, il a donné vie à cette figure en cire. Le résultat ? Une œuvre plus vraie que nature qui ravira les fans et curieux de passage.

Une nouvelle figure aux côtés de stars internationales

Avec cette nouvelle entrée, Vianney rejoint un casting prestigieux récemment enrichi de Beyoncé, DJ Snake, Clara Luciani, mais aussi de personnages historiques ou fictifs comme Marie-Antoinette ou Astérix et Obélix. Le musée Grévin continue d’évoluer et de surprendre avec ses événements, comme La Nuit au Musée le 14 juin prochain, ses concerts classiques ou encore les célèbres Concerts à la Bougie.

Informations pratiques :
Site internet : Musée Grévin

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L’épicentre de la mode

« Expérimentez, à profusion, sans autocensure » : tel est le mot d’ordre qui règne dans les ateliers de cette prestigieuse école de mode, fondée en 1988 à Paris. Acteur majeur dans le paysage de la mode en France et à l’international, des personnalités émergentes telles que Victor Weinsanto, protégé de Jean Paul Gaultier, ou encore Alice Vaillant, l’esprit à l’origine de VAILLANT STUDIO, ont foulé les pas de cette école prestigieuse. Une pédagogie innovante, une approche évolutive et un soutien constant envers ses étudiantes, ainsi se construit la recette de la réussite de cette institution parisienne, dont la réputation n’est plus à faire. 

C’est au sein du 11^ème arrondissement, au Bastille Design Center, que la magie de la mode a opéré, le temps d’un défilé riche en créativité et en émotion. 

Des collections aux identités singulières

Derrière ce défilé titanesque, digne des plus grandes maisons, se cachent 16 étudiants en Mastère Créateur de Mode. Chacun a présenté sa propre collection, déployée sur 6 à 7 silhouettes, révélant un univers singulier, fruit de mois de recherche, de conception et de passion. Au programme : la découverte d’identités créatives fortes, de visions personnelles de la mode. 

Avec sa collection intitulée « Les Camelias ne meurent jamais », Axelle Richard met en lumière le combat continuel de la condition féminine. La palette de couleurs, choisie avec cohérence et minutie, et les volumes généreux nous transportent dans un monde où la femme affirme à la fois force et douceur, entre vulnérabilité et résistance. Coup de cœur pour ce micro-short aux hanches accentuées, qui joue habilement sur les proportions pour sublimer la silhouette.

Parmi les propositions marquantes, celle de Gabriel Helal se distingue par son élégance, la précision de ses coupes et le choix des matières. En référence au gang de voleuses britanniques, « The 40 Elephants », cette collection célèbre l’art de la transgression à travers des silhouettes ultra élégantes et raffinées. Entre coupes ajustées et maxi manteaux à poches, placées avec une précision stratégique, chaque pièce sublime avec douceur et provocation la maîtrise de la dissimulation, clin d’œil aux ruses vestimentaires de ce gang féminin. 

Sur le podium, les mannequins de Xinyi Xu avancent lentement, drapées de matières texturées et authentiques. Avec « Vitalité entrelacée », la jeune styliste expérimente un jeu de reliefs audacieux et singulier. La nature y est mise à l’honneur, accompagnée d’inspirations surréalistes, chères à la créatrice. 

Enfin, avec pour fil conducteur, la dualité entre fragilité et puissance, Qianyi Hou propose une série de looks où les drapés vaporeux côtoient des structures plus rigides, traduisant une esthétique à la fois mouvante et maîtrisée, à l’image de l’eau qui l’inspire. L’eau, dans ses différents états incarnent à la fois la fragilité et la puissance. 

Ce défilé révèle une génération de créateurs audacieux, prêts à réinventer la mode en mêlant passion, innovation et engagement, promesses d’un avenir riche en créativité. 

Informations supplémentaires : 
site internet : https://www.atelier-chardon-savard.com
Adresse : 15 Rue Gambey, 75011 Paris
Numéro : 01 43 14 02 22

By Nina Aldeia

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Une fête explosive

Pour célébrer cette nouvelle ère, la marque iconique de glaces a transformé sa plage privée en un temple du plaisir décomplexé, loin des conventions du tapis rouge cannois. Elle s’est alliée à Charli XCX, artiste provocatrice récompensée aux Grammy Awards, qui a enflammé la scène avec un line-up éclectique et pointu. Elle était entourée de Jamie xx, producteur britannique culte, de George Daniel (The 1975) et du rappeur suédois Yung Lean. Ensemble, ils ont incarné l’esprit disruptif et sans filtre que prône Magnum en 2025.

L’élégance punk et l’affirmation de soi à l’honneur

Revêtue d’une tenue d’archive signée Vivienne Westwood, Charli XCX a rendu hommage au célèbre défilé de 1995, où des mannequins brisaient les codes en croquant dans des Magnum Classic sur le podium.

L’expérience Magnum® Dipping and Spray Bar fait son retour

Moment fort de la soirée, le Magnum Dipping and Spray Bar a permis aux invités de créer leur propre glace personnalisée. L’artiste a notamment inauguré cette animation gourmande en concoctant sa propre recette signature, symbole d’une liberté de création sans compromis.

Informations pratiques :
Site internet : Magnum 

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En marge du Festival de Cannes, une soirée exclusive a été organisée sur la plage du Miramar. Les jeunes artistes de l’ADAMI étaient réunis. La Vallée Village, plus qu’une simple destination de shopping, se positionne comme une rencontre entre le luxe, la mode et la culture. Pour ses 25 ans, célébrés le 19 mai 2025, cet espace unique a démontré une fois de plus sa volonté de lier l’univers des marques prestigieuses à celui de la création artistique émergente.

La Vallée Village comme une arche entre l’art et le luxe

Cette initiative met en lumière une approche novatrice de La Vallée Village. C’est un lieu où les boutiques se déploient le long de rues piétonnes, offrant des réductions sur les marques le plus prestigieuses. Le Village cherche à enrichir l’expérience de ses visiteurs en s’associant à des événements culturels de grande envergure. Avec plus d’une centaine de marques internationales logées dans des maisons en tuiles et aux tons colorés, La Vallée Village offre déjà une escapade shopping inégalée, au plus proche de Paris. L’expérience client est pensée dans les moindres détails. Des services comme le personal shopper, le shopping main-libre ou bien le voiturier contribuent à faire de chaque visite un moment privilégié. 

Mettre en avant l’ADAMI, une organisation aidant les artistes dans leurs droits, est une démarche honorable et utile. Souvent associés, l’art et le luxe font la paire et la Vallée Village offre de la visibilité à des artistes.

Mise en lumière des jeunes artistes

C’est dans ce cadre d’excellence et d’attention que La Vallée Village a choisi de célébrer ses 25 ans. En conviant les jeunes talents de l’ADAMI à un dîner intimiste, elle a ainsi voulu mettre en lumière la nouvelle génération d’artistes qui façonnent l’avenir du cinéma ou de la musique. Cet événement, orchestré par l’agence Fetiveau RP, n’était pas seulement une célébration. C’était une affirmation de l’engagement de La Vallée Village en faveur des nouveaux talents.

Cette démarche est d’autant plus intéressante. En effet, La Vallée Village est aujourd’hui le 3ème site culturel et de loisirs le plus fréquenté autour de Paris. Cette fréquentation massive offre une visibilité unique aux artistes soutenus par l’ADAMI. En intégrant l’art et la culture à son ADN, La Vallée Village crée un mélange puissant entre le monde du luxe et de la création artistique. Elle transforme une expérience de consommation en une opportunité de découverte et de soutien pour les talents de demain.

Le dîner avec les jeunes talents ADAMI, tenu sur la Plage Miramar, a ainsi souligné l’engagement de La Vallée Village. Cela reflète la continuité de son positionnement d’acteur culturel attentif et inspirant. C’est une manière moderne et chic de fêter ses 25 années d’élégance et de partage. Cela prouve qu’une destination de shopping de luxe peut aussi être un vibrant soutien à la scène artistique française.

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